THE AUSSIE BBQ once again returns to Molotow in Hamburg to showcase fantastic Australian music at the 2018 Reeperbahn Festival.

This year's lineup includes:

Dandelion Wine 12:00 - 12:30 - Backyard Link
Die Klangfarben der australischen Band Dandelion Wine gehören sicher zu den ungewöhnlichsten beim diesjährigen Reeperbahn Festival. Mittelalterliche Instrumente treffen auf elektronische Beats, sägende Gitarren auf die ätherische Stimme von Naomi Henderson. Stilistisch lässt sich die 1996 gegründete Band in keine Schublade packen. Die Songs der Gruppe sind wie Überraschungspakete, als Zuhörer weiß man nicht, in welche Richtung sich ein Lied entwickelt. Doch genau das macht den Reiz des Ensembles aus.

Tempesst 12:30 - 13:00 - Club Link
Aus dem Brüder-Duo Toma & Andy ist inzwischen ein Quintett geworden. Der Track „Waiheke“ erinnert an den Folk der frühen Fleet Foxes, der Harmoniegesang an australische Combos wie Crowded House. Tempesst machen harmonischen Rock, den man vor allem im Sommer gern hört. Man kann sich vorstellen, wie Surfer dazu über die Wellen gleiten oder man an einem Lagerfeuer an einem Strand abhängt. Die Songs von Tempesst sind entspannter Sommer-Groove.

Mijo Biscan 13:00 - 13:30 - Backyard Link
Mijo Biscan ist ein Singer Songwriter aus dem australischen Melbourne, der vor allem mit seinen dynamischen Live-Auftritten von sich reden macht. Denn nicht nur in Berlin, in ganz Deutschland hat er bereits an die 40 Wohnzimmer- und Bar-Konzerte gespielt. Seine Songs beginnen häufig ruhig, während sich Mijo Biscan nur an der Akustikgitarre begleitet. Doch schon bald entwickeln sie Raum, Fülle und Bombast.

Geowulf 13:30 - 14:00 - Club Link
Als Heimatland nennt das Duo Geowulf Australien. Allerdings haben sich Sängerin Star Kendrick und Multiinstrumentalist Toma Banjamin in den vergangenen Jahren die meiste Zeit in Europa aufgehalten. London, Stockholm und Berlin waren die wichtigsten Städte, in denen beide gelebt haben. Ursprünglich wollte Toma, der in Schweden lebenden Star, nur bei der Fertigstellung von ein paar Songs helfen, doch daraus entwickelte sich gemeinsame Arbeit und letztlich die Gründung von Geowulf.

Hollow Coves 14:00 - 14:30 - Backyard Link
Vier Jahre nach ihrer ersten Begegnung haben sie ihre musikalischen Ergebnisse auf dem Album „Wanderlust“ (Nettwerk) herausgebracht. Sie haben ihren eigenen Stil von Indie-Folk entwickelt, ließen sich aber auch von australischen Künstlern wie Angus & Julia Stone, Ben Howard und The Paper Kites inspirieren.
 Aber auch wer auf die frühen Simon & Garfunkel steht, wird Spaß an den Songs des Duos aus Brisbane haben. Henderson und Carins, die sich Hollow Coves nennen, lieben nicht nur die Musik, sondern auch das Reisen. „Wanderlust“ ist auch das Ergebnis dieser gemeinsamen Erfahrungen.

Amyl And The Sniffers 14:30 - 15:00 - Club Link
Drei Akkorde reichen, wichtig sind Haltung und Energie. Das alles besitzt die Amys Band, die sie Amyl and the Sniffers genannt hat. Zusammen mit ihren Mitbewohnern Bryce Wilson (Schlagzeug) und Dec Martens (Gitarre) hat sie die erste EP „Giddy Up“ (Damaged Goods) in nur zwölf Stunden aufgenommen. So muss Punk sein: Nicht lange überlegen, sondern die Songs raushauen! Gus Romer (Bass) komplettiert die Band aus Melbourne. In diesem Jahr tourte Amyl and the Sniffers zum ersten Mal als Headliner durch Australien, mit dabei hatte das Quartett das Album „Big Attraction & Giddy Up“. Das dürfte auch hierzulande eine Menge Hörer finden, denn der raue Sound von Amyl and the Sniffers ist universell.

Ziggy Alberts 15:00 - 15:30 - Backyard Link
Die Lässigkeit dringt ihm aus jeder Pore. Ziggy Alberts ist ein typischer Songwriter aus Australien. Obwohl er einer ist, der die Gitarre häufiger in der Hand hält, als das Surfbrett. Von der Ostküste stammend, ist er ein Anhänger der Coastal Folk Music. Viel braucht er dazu nicht. Nur seine Gitarre, eine Kick Drum und seine Stimme. Neben üblichen Pop-Themen wie Liebe, Kindheit und Jugend interessiert ihn vor allem die bedrohte Umwelt. Geschichten vom Land und von der See eben.

Psychedelic Porn Crumpets 15:30 - 16:00 - Club Link
Der Name der Psychedelic Porn Crumpets macht schnell klar, aus welcher musikalischen Ecke das australische Quartett kommt. Die Combo aus Perth hat sich zur Aufgabe gemacht, den psychedelischen Rock in ihrer Heimat neu zu beleben. Ihre Gitarren klingen spacig, sie benutzen ein Mellotron und kreieren Sounds wie Bands aus den 60er-Jahren. Fehlen nur noch Stroboskop-Blitze und Dia-Projektionen mit zerlaufenden Farben, um sich in den „Summer of Love“ zurückzubeamen.

Ainslie Wills - 16:00 - 16:30 - Backyard Link
Die Geschichtenerzählerin aus Melbourne hat 2013 ihr Debütalbum „You Go Your Own Way, I’ll Go Mine“ veröffentlicht. Wills ist eine reife Künstlerin, die musikalisch kraftvolle und textlich ernsthafte Songs wie „Society“, „So Soldier“ oder „Running Second“ geschrieben hat. Sie begleitete Künstler wie Michael Kiwanuka, Leon Bridges und Vance Joy auf deren Tourneen und trat bei einer Reihe von Festivals in Australien und Großbritannien auf. „Alle Zutaten von erwachsener und glücklich machender Popmusik sind in der Arbeit von Ainslie Wills enthalten“, lobte der britische Guardian die Australierin. Ein Satz, der die Klasse von Wills auf den Punkt bringt.

The Babe Rainbow 16:30 - 17:00 - Club Link
Lauscht man der Musik von The Babe Rainbow und schließt dabei die Augen, fühlt man sich sogleich an den Golden Beach versetzt. Schuld daran sind drei fröhliche Australier. Genregrenzen kennen die Jungs nicht.Das Ergebnis ist ideale Bar- und Tanzmusik für gestresste Großstädter. Songs wie „Sunflower Sutra“ mit seinen hymnischen Shanti Shanti-Gesängen mit seiner Kreuzung aus Flower Power und psychedelischem Jazz dürften jede verregnete Seele kräftig aufhellen.

Ocean Alley 17:00 - 17:30 - Backyard Link
Ocean Alley macht Musik, wie sie nur aus Australien kommen kann. Die Facebook-Seite zieren Videos von Segeltouren gen Sonnenuntergang, Rollerbladern, Farbenpracht und Leichtigkeit des Seins. Beneidenswert. Gekonnt kombiniert die Truppe, die nicht weniger als sechs Mitglieder zählt, Psychedelic, Rock und Reggae. Eine tolle Mixtur, die die Schulfreunde aus dem Norden von Sydney sich da ausgedacht haben.

Ecca Vandal 17:30 - 18:00 - Club Link
Sie flirtet mit verschiedenen Genres. Ecca Vandal, australische Sängerin mit südafrikanischen Wurzeln, benutzt in ihren Tracks Hip-Hop-Rhythmen, sie umgibt sich mit der Haltung einer Punk-Sängerin, erinnert aber auch an eine Rockkünstlerin wie Gwen Stefani und nennt Miles Davis und Björk als ihre Idole.

Cleopatrick 20:00 - 20:35 Link
Bereits im Kindergarten, genauer mit vier Jahren, liefen sich Cleopatrick-Frontmann Luke Gruntz und sein Drummer Ian Fraser über den Weg. Viele Jahre später lieben sie noch immer die gleiche Musik. Gruntz bedient mittlerweile Bass und Gitarre, gemeinsam haben sie sich ihrem puren, Rock-Sound, gespickt mit ein paar scheppernden Blues-Spuren in der Band Cleopatrick verschrieben.

The Ninth Wave 21:15 - 21:50 Link
The Ninth Wave aus dem schottischen Glasgow produziert einen herrlich düsteren, saftigen Indie-Rock. Bislang existieren nur einige EP’s, die aber klingen äußerst vielversprechend. Songs wie „Liars“ oder „New Kind of Ego“ von der neuen EP „Attention“ (Distiller Records LLP) begeistern mit einem 1980er-geschulten Wave-Punk, mit satten Gitarren, dunklem Schlagwerk und dem berückenden Co-Lead-Gesang von Elina und Haydn.

Whenyoung 22:30 - 23:05 Link
Whenyoung stammt ursprünglich aus Limerick, lebt inzwischen aber in London. Die junge Band hat erst ein paar Singles veröffentlicht (Yala Records), spielt schnellen Indie-Pop und gilt als äußerst talentiert. Deshalb durfte whenyoung schon im Vorprogramm von Nick Cave und den Vaccines sowie bei der Geburtstagsparty für den Pogues-Sänger Shane MacGowan auftreten.

Amyl And The Sniffers 23:50 - 00:40 Link
Drei Akkorde reichen, wichtig sind Haltung und Energie. Das alles besitzt die Amys Band, die sie Amyl and the Sniffers genannt hat. Zusammen mit ihren Mitbewohnern Bryce Wilson (Schlagzeug) und Dec Martens (Gitarre) hat sie die erste EP „Giddy Up“ (Damaged Goods) in nur zwölf Stunden aufgenommen. So muss Punk sein: Nicht lange überlegen, sondern die Songs raushauen! Gus Romer (Bass) komplettiert die Band aus Melbourne. In diesem Jahr tourte Amyl and the Sniffers zum ersten Mal als Headliner durch Australien, mit dabei hatte das Quartett das Album „Big Attraction & Giddy Up“. Das dürfte auch hierzulande eine Menge Hörer finden, denn der raue Sound von Amyl and the Sniffers ist universell.

Sage 14:00 - 14:30 Link
Der junge Songwriter Ambroise Willaume, der sich Sage nennt, vereint in sich all die Qualitäten, die man beim französischen Pop so sehr schätzt: Exzellentes Songwriting, große Emotionen und eine Stimme aus Samt. Sage klingt ein wenig wie die US-Band Chicago in ihren besten Tagen – mit einer Prise Phoenix.

Field Division 15:00 - 15:30 Link
Sanft schrubbende Gitarren und berührender Hippie-Gesang. Field Division ist eine Folk-Kapelle vom alten Schlag. Mit Gefühlen von Freiheit und Verwirklichung einer eigenen Utopie. Stilsicher bewegt sich das Duo aus Evelyn Taylor und Nicholas Frampton auf den Spuren des Dream-Folk von Fleetwood Mac mit einem Schuss Led Zeppelin.

Charlotte Brandi 16:00 - 16:30 Link
Mit dem Duo Me And My Drummer spielte sich Charlotte Brandi unter die Lieblinge der Berliner Indie-Szene. Aufgewachsen in Dortmund, zieht es die Keyboarderin und Gitarristin vor einigen Jahren in die Hauptstadt, wo sie von der Musikpresse als neue Pop-Hoffnung mit internationalem Ausmaß gefeiert wird. Doch damit ist es für Charlotte Brandi nicht getan. Als sie sich im letzten Jahr dazu entschließt, ihr elektronisches Keyboard gegen ein staubiges Piano einzutauschen, erfindet sie sich neu.

Royaume 17:00 - 17:30 Link
Aus Paris stammt dieses innovative Electropop-Duo, bestehend aus der franco-japanischen Sängerin Yumi und dem Produzenten Moon Boy. Mit „Again“ (Le Label, Pias) hat es gerade nach längerem Reifeprozess eine tolle erste EP mit fünf starken Tracks herausgebracht. Die Themen und Texte des Duos sind durchaus kontrovers zu nennen. Etwa in „If We“, in der Yumi die in Japan beliebte Bondage-Tradition kritisch beleuchtet.

International Music 20:00 - 20:40
Pedro Goncalves Crescenti (Gesang, Bass), Peter Rubel (Gesang, Gitarre, Keyboard) und Joel Roters (Schlagzeug) haben sich im Ruhrpott gesucht und gefunden. Das Trio nennt sich International Music. Bei ihnen trifft Chanson auf Gitarrengeschrammel, knittriger Rock auf hymnischen und verspielten Pop. Die Texte sind pointiert, lakonisch und von verspultem Humor.

Mellah 21:20 - 22:00 Link
Liam Ramsden, der sich als Künstler Mellah nennt, ist beinahe ein Alleskönner. Eine Zeitlang hat der Singer-Songwriter aus London sein Geld als Zimmermann verdient. Auf seinen ersten EPs spielt er alle Instrumente selbst. Und auch die Fotos und Videos, die er für das Artwork seiner Platten macht, stammen von ihm. Eine Kamera trägt er immer bei sich. Darüber hinaus ist Mellah ein Songschreiber mit einem wachen Blick auf seine Umwelt.

The Dirty Nil 22:40 - 23:40 Link
The Dirty Nil will es wissen. Im September bringt das Trios aus Hamilton, Ontario bereits das dritte Album innerhalb von drei Jahren heraus. Im vergangenen Jahr wurde die Band mit dem Juno (das kanadische Pendant zum Grammy) als beste Band ausgezeichnet, die den Durchbruch geschafft hat. Das hat den drei Mitgliedern Luke Bentham, Ross Miller und Kyle Fisher noch mal einen weiteren Schub gegeben, mit Hochdruck an neuen Songs zu arbeiten. Als ersten Song aus „Master Volume“, ihrer nächsten Platte, haben sie den Track „Pain Of Infinty“ veröffentlicht.

Estrons 00:20 - 01:00 Link
Estrons ist Welsh und bedeutet soe viel wie "die Außenseiter“ oder „die Fremden", was sich auch in ihrem vom Gefühl der Entfremdung inspirierten Songwriting widerspiegelt - Entfremdung von sich selbst und der eigenen Community. Taliesyn Källström verarbeitet in ihren Lyrics befremdliche und aufwühlende Erfahrungen und so beschreibt sie ihre letzte Single ‘Glasgow Kisses’ als „ein Kinderlied für Erwachsene.

1989: In einem kleinen, grünen Holzhaus in Tokio sitzt ein 6-Jähriger aus Süddeutschland und hört zum ersten Mal in seinem Leben Public Enemy. Aufgelegt von seinem großen Bruder auf dessen Billig-Plattentellern im gemeinsamen 12qm Kinderzimmer. Schnitt. 29 Jahre später ist dieserJunge aka JUSE JU selbst eine Größe in der deutschen Indie-Rapszene im Dunstkreis von der Antilopen Gang, Fatoni, Dexter und Edgar Wasser. Am 16.März erschien JUSE JUs neues Album „Shibuya Crossing“. Sein erstes richtiges Album. Die Quintessenz seiner wechselhaften Geschichte und Weltsicht. Die Produzenten der Platte (Dexter, Torky Tork, Yourz u.a.) kombinieren 2017er Grooves mit dem warmen Klang von Samples und echten Instrumenten. So schaffen sie einen State of the Art Sound, der sich von der Bi-Polarität von Trap-Synthie-Sound und klassischem Boom Bap in Deutschland absetzt. Und Juse tut auf diesen Beats Unerhörtes: Im Omnipotenz-Becken Deutschrap rechnet er unironisch mit seinem eigenen, unfairen Verhalten gegenüber Frauen ab (Lovesongs). Positioniert sich klarpolitisch (Propaganda feat. Danger Dan). Und arbeitet schonungslos die eigene Familiengeschichte auf (Shibuya Crossing). Juse lässt Introspektiven zu, die man sich einer höher-reicher-besser Szene eigentlich nicht erlauben kann. Die bissige Ironie und Battleattitüde der Vorgänger-Mixtapes wird um ein offenes Visier erweitert.

Es ist wieder soweit, wir laden euch herzlich in das Molotow in Hamburg ein & haben für euch unsere liebsten Freunde von Dreimillionen & Unumgänglich mit im Gepäck!

Mit dem aus Dallas stammenden und in Nashville lebenden Sänger und Multiinstrumentalisten Conner Youngblood erhält das Singer-Songwriter-Genre eine neue, fulminant instrumentierte Färbung. Von Folk-Größen wie Bob Dylan und Elliott Smith ebenso beeinflusst wie durch die Gorillaz, findet in Youngbloods Sound die Simplizität des Akustischen auf eine höchst spielerische Weise zusammen mit elektronischen Versatzstücken und einer signifikant eigenen Instrumentierung.

Zu hören ist dies auf bislang drei digital erschienenen EPs, von denen die besten Songs als Vinylplatte über das Ninja Tune-Tochterlabel Counter Records unter dem Titel ›Generation of Lift‹ veröffentlicht wurden. Zuletzt konnte man ihn im Vorprogramm auf der Europa-Tour von Aurora erleben, am 9.Oktober kommt Conner Youngblood zu uns ins Molotow!

Sechs Monate und zehn auf zwei EPs verteilte Songs genügten Palace, um in der britischen Hauptstadt zu einem der meistdiskutierten Newcomer aufzusteigen. Die Printmedien sind voll des Lobes für das Quartett und dessen zutiefst melancholischen, tiefschürfenden und bisweilen auch komplex konstruierten Sound. Nach den ersten beiden EPs ›Lost In The Night‹ und ›Chase The Light‹ erschien Ende 2016 das Debütalbum ›So Long Forever‹, mit dem die Musiker seither durch Europa touren. Am 10. und 11. Oktober kommen Palace für zwei Konzerte in Hamburg und Berlin nach Deutschland.

THE SONICS are back! Das sensationelle, brandneue Album der legendären 60“s Fuzzpunk- / Garage-Rock- Pioniere feat. JERRY ROSLIE, LARRY PARYPA und ROB LIND(Originalmitglieder) plus FREDDIE DENNIS (THE KINGSMEN, THE LIVERPOOL FIVE) und DUSTY WATSON (DICK DALE, AGENT ORANGE). Produziert von JIM DIAMOND (THE WHITE STRIPES,THE DIRTBOMBS). “This Is The Sonics” erschien Ende März 2015.

In den frühen sechziger Jahren in Tacoma, Washington gegründet, waren THE SONICS zu Beginn noch den instrumentalen Rock“n“Roll-Klängen verpflichtet, bevor sie kurze Zeit später mit ihrem aggressiv übersteuerten (und visionären) Garage-Rock die amerikanische Musikszene lautstark erschüttern sollten. Nach ihrem 1964 veröffentlichten Singledebüt “The Witch”, das unmittelbar zu einem lokalen Hit avancierte und der Band landesweite Tourneen mit den BYRDS, KINKS und BEACH BOYS bescherte, ging es Schlag auf Schlag für das Quintett. Es folgten weitere Fuzzmonster (über Autos, Mädchen, Surfen, Drogen und Horror) wie “Psycho”, “Boss Hoss”, “The Hustler”, “Don`t Be Afraid Of The Dark” oder “Strychnine” sowie drei Maßstäbe setzende Longplayer (“Here Are The Sonics”, “Boom”, “Introducing The Sonics”), die das Genre bis in die heutige Gegenwart definieren. So verwundert es nicht, dass die bekanntermaßen exzessiv performende Formation als inspirative Vorreiter sowohl der Punk- als auch der Grunge-Bewegung gelten und dabei von nachfolgenden Bands wie CRAMPS, DEAD BOYS, FUZZTONES, MUDHONEY, NIRVANA, WHITE STRIPES, FLAMING LIPS oder EAGLES OF DEATH METAL als Vorbilder genannt wurden.

Ende der sechziger Jahre war dann erstmal Schluss mit den Bandaktivitäten, doch ungeachtet dessen wurden ihren Platten mit schöner Regelmäßigkeit wiederveröffentlicht, blieb ihr Legendenstatus nicht nur unangetastet, sondern wuchs vielmehr stetig. 2007 kam es dann für einen Auftritt in Brooklyn / New York zu einer gefeierten Live-Reunion der Originalbesetzung, der weitere Gigs und Festivalshows (Muddy Roots Music, Primavera Festival, Sjock, Azkena Rock) nachfolgten, darunter auch ein Konzert im Berliner SO 36 (2012). Sensationellerweise warten die Garagenrock-Pioniere jetzt nach fast fünfzigjähriger Veröffentlichungsauszeit mit einem brandneuen Studioalbum auf. Eingespielt von den drei Gründungsmitgliedern JERRY ROSLIE, LARRY PARYPA und ROB LIND sowie hochkarätig verstärkt von dem Rhythmusteam FREDDIE DENNIS (THE KINGSMEN, THE LIVERPOOL FIVE) und DUSTY WATSON (DICK DALE, AGENTORANGE), schließen die Musiker dabei mit “This Is The Sonics” – das auf dem bandeigenen Label Revox erscheint – nahtlos an ihre früheren, musikalischen Großtaten an. Produziert wurden die zwölf Tracks (im gloriosen Mono-Mix) von JIM DIAMOND (THE WHITE STRIPES, THE DIRTBOMBS).

Freitag, der 16. Kein Datum für eine gepflegte „Ich-bleib-heute-Bett“-Haltung aus Gründen der Furcht vor Ereignissen, die einem übel aufstoßen könnten. In Wahrheit geht die Kombi eher in Richtung belanglos, wäre es nicht der 16. März 2018. Denn eben jener Tag markiert die überaus wahnwitzige Rückkehr der Hot Snakes! HOT WER? Ok, wir geben es zu, 14 Jahre sind eine halbe Ewigkeit in einem schnelllebigen Business und in einer noch schnelllebigeren Zeit.

Rock-Connaisseuren mit Langzeit-Gedächtnis sind Hot Snakes selbstredend noch ein Begriff, alle anderen mögen sich aus Gründen der Kurzfassigkeit bei Wikipedia darüber informieren, welche Fußspuren John Reis und RickFroberg im Schneegestöber der Rockgeschichte hinterlassen haben. Zur Auffrischung seien hier nur Namen wie Rocket from the Crypt, Drive Like Jehu, Obits oder The Night Machers. Und eben Hot Snakes.

„Jericho Sirens” heißt nun der Anlass ihrer Rückkehr, es ist ihr insgesamt viertes Album und es ist im wahren Satzsinne ein wahrhaftig lang Erwartetes. Insgesamt zehn Songs brachten die Rückfalltäter aus San Diego dazu, wieder eine Studio-Tür einzutreten und ihre Version von Punk Rock von Sub Pop (Who else?) auf CD/LP/DL/CS bannen zu lassen. In guter, alter DIY Tradition nahm das Quintett das Album selbst auf, benutzte dabei fast das ganze Jahr 2017 und quartierte sich dafür sowohl in Philadelphia als auch in San Diego ein. Dort wurde das Album dann auch von den Schlangen selbst produziert.

Eigentlich ist es eine klassische Rock‘n’Roll-Story. Gegründet von den Schulfreunden Oska Wald (Gitarre/Gesang), Jiles (Schlagzeug), und Lorenz O’Tool (Gitarre/ Gesang), wurden Chuckamuck schon als Teenager bei Staatsakt unter Vertrag genommen und produzierten 2009 ihre ersten Singles, 2011 die erste LP “Wild for Adventure”, und danach einen konstanten Strom von EPs. Dazu natürlich die Touren, der Rock'n'Roll Exzess, die zerstörten Hotelzimmer, alles Drum und Dran was man von einer jungen Rock'n'Roll Band im Rausch ihres ersten Erfolges erwartet. 2013 kam die zweite LP “Jiles”, 2014 die “Im Knast” EP und dann – Funkstille: eine nachdenkliche Pause.

Chuckamuck kennen sich mit der Rock'n'Roll Tradition aus. Eine Band, die sich im Spirit von Chuck Berry und nach einem Song von King Khan benannt hat, kann man nicht vorwerfen, mit der Geschichte ihres Genres nicht vertraut zu sein. What Would Neil Young Do? Die Jungs wussten genau was kommen musste: es war Zeit introspektiv zu werden und aufs Land zu ziehen. Es war Zeit sich selbst aufzunehmen, und das Resultat als “self-titled” Album zu veröffentlichen. Kurzum, es war Zeit für die dritte LP, welche im September 2017 auf dem Staatsakt-Label erschienen ist.

Nun gehen Chuckamuck wieder auf Tour – mit alten und auch ganz neuen, bisher unveröffentlichten Songs, unterwegs im neuen Van, mit neuem Bandmitglied Amit an Orgel und Bass. Dieses Spektakel sollte man sich nicht entgehen lassen!

The Vintage Caravan existieren nun schon seit zwölf Jahren. Die Mitglieder waren allerdings im Gründungsjahr 2006 gerade mal 12 Jahre alt. Und ernst wurde es für das Trio aus Reykjavik sowieso erst 2009. Als die Jungs 2012 bei ihrem ersten Festival auftraten, mussten noch ihre Eltern mitkommen, damit sie überhaupt in die Halle durften. Nach ihrer triumphalen Performance wartete bald darauf das Wacken Open Air auf die drei, und Nuclear Blast nahm sie unter Vertrag. 2011 wurde das selbstbetitelte Debüt veröffentlicht, die zweite Platte, „Voyage“, folgte Anfang 2014. Auf ihrem Drittwerk „Arrival“, welches 2015 erschien, zeigt sich das isländische Trio mit einer unglaublichen Reife, die man eher bei Bands vermutet, die bereits Dekaden in verrauchten Backstage-Räumen und schalem Bier hinter sich haben. Zwischen relaxten Nummern, blues-triefenden Burnern, deftigen Schwergewichtsdrums, psychedelischen Wirbelwinden und süßen Balladen brillieren die drei jungen Musiker ganz wie ein paar alte Hasen. Hinzu kommt die Leidenschaft für die Rocklegenden der 70er, sowohl instrumental als auch gesanglich. Die Isländer sind für ihre energische Bühnenperformance bekannt und waren in den vergangenen Jahren sehr aktiv. Inzwischen haben The Vintage Caravan ein Durchschnittsalter von rund 24 und arbeiten an einer neuen Platte, die im August erscheinen soll. Und natürlich gehen die heißen Isländer anschließend wieder auf Tour: Im Oktober kommen The Vintage Caravan, um uns mit klassisch bluesigem und rifflastigem Hardrock so richtig von den Beinen zu holen.

Epic, crushing, and heavy beyond words, ​YOB ​has achieved legendary status in recent years due to their unmatched aesthetic and incredible body of work. ​Formed in 1996 in Eugene, Oregon under the leadership of doom metal mastermind Mike Scheidt on guitars and vocals, the group initially released a three song demo tape in 2000 that garnered them international attention. Drawing comparisons to groups like Neurosis, Sleep and Electric Wizard, ​YOB​ succeeded in developing modern sounding doom metal that hearkened back to the classics.
In 2002, ​YOB​ released their debut album ​Elaborations of Carbon​ followed by ​Catharsis in 2003, a three song record that clocked in at a colossal 50 minutes. The buzz about YOB​ was beginning to grow and the trio began to tour more extensively. Remaining quite prolific during this period, ​YOB​ continued to release an album each year with ​The Illusion of Motion ​coming in 2004 followed by ​The Unreal Never Lived​ in 2005. Despite all the momentum, ​YOB ​disbanded in 2006.
In 2008 the band returned from hiatus and has remained strong ever since with Travis Foster on drums and Aaron Rieseberg on bass. Reinvigorated and reinspired, ​YOB released ​The Great Cessation​ in 2009. It was doom with a psychedelic twist, a sound that Pitchfork referred to as “cosmic doom.” At this point in their career, the band found increased exposure in the media, with The New York Times going so far as to call them “one of the best bands in North America” after a performance at Scion Rock Festival.
For 2011’s ​Atma​, ​YOB​ took a more organic to recording. In Scheidt’s own words, he wanted the record to sound “grizzly, with hair on it.” Three years later, the group released Clearing the Path to Ascend​, a record that upheld their legacy as a top notch doom metal act and was hailed by Rolling Stone as the #1 metal album of the year.
Fast forward to 2017 where ​YOB ​signed with Relapse Records for their​ ​incredible 8th full-length recording ​Our Raw Heart​. The album was conceived amidst dire circumstances that nearly left frontman Mike Scheidt dead after suffering from an extremely painful and potentially fatal intestinal disease. Scheidt miraculously recovered and rallied the band together with a new sense of purpose for ​Our Raw Heart,​ an album informed by the will to survive. More exposed than ever both physically and emotionally, YOB ​bleed out seven riveting tracks of enormous volume and pensive, transcendental beauty across 75 minutes of ultimate doom. A brilliant musical progression in the ​YOB continuum,​ Our Raw Heart ​is the band at their most aggressive, impassioned and eclectic. The riffs are massive, the vocals captivating and the songwriting sublime. Existing in its own organic universe, ​Our Raw Heart​ is truly the band’s finest work to date and the apex achievement of what heavy music can accomplish. ​Our Raw Heart ​was co-produced by the band and longtime collaborator Billy Barnett at Gung Ho Studio in Eugene, Ore., with mastering handled by Heba Kadry (The Mars Volta, Diamanda Galas, Slowdive).

Aus Manchester kommen nicht nur die gerade sehr erfolgreichen Indie-Rocker The 1975, sondern seit kurzem auch die Newcomer-Band Pale Waves. Seit etwa zwei Jahren machen Sängerin Heather, Schlagzeugerin Ciara, Gitarrist Hugo und Bassist Charlie zusammen Musik. Doch die beiden Bands vereint mehr als nur ihre gemeinsame Heimatstadt, die aufgrund ihrer lebendigen Musikszene auch „Madchester“ genannt wird. Matty Healy, Frontmann von The 1975, ist überzeugter Pale-Waves-Fan der ersten Stunde und unterstützt die Band, wo er nur kann: als Support nahm er Pale Waves mit auf Tour, führte Regie bei ihren Musikvideos und war sogar als Produzent an Songs wie „There’s A Honey“ und „Television Romance“ beteiligt.

Im März erschien endlich – nach mehreren Singles - ihre Debüt-EP „All The Things I Never Said“. Im Sommer soll dann ein Longplayer folgen. Die Band ist sehr ehrgeizig und extrem überzeugt von dem, was sie macht. Daher haben sie es sich zum Ziel gesetzt, nicht nur ein Nummer Eins-Album zu produzieren, sondern auch eigene, ausverkaufte Touren zu spielen. Im Oktober sind Pale Waves erneut in Deutschland auf Tour.

"Radio Birdman, one of the pioneers of the high energy rock 'n' roll scene will be playing a limited number of European shows this coming June/July. These shows will be a unique opportunity to catch this legendary Australian underground band whose flame has influenced a multitude of current contenders under the banner of 'punk rock'.

The band have recently reissued their formidable back catalogue in a CD box set, the contents of which will soon be available as standalone CDs. Their LPs are also being reissued. Two (including a previously unreleased live double LP recorded in 1977) have already seen light of day and it is expected the remaining two will be available by the time the band tours.

The band features original members Rob Younger, Deniz Tek, Pip Hoyle along with long time bassist Jim Dickson. Nik Rieth (drums) and Dave Kettley (guitar) have recently been added to the line-up."

May 4, 2018 – Australian born and self-described vagabond Stu Larsen and Japanese harmonica player Natsuki Kurai released their second EP together, aptly titled Stu Larsen & Natsuki Kurai II.

Nearly eight years ago, Natsuki and Larsen met in the middle of Tokyo and quickly connected with each other. “I spoke no Japanese and Natsuki didn’t speak English so we found we had to communicate in other ways. We both agree that this allowed us to form a deeper connection, without words,” says Larsen. Since then, they’ve continued traveling back and forth from Australia to Japan, playing shows and festivals along the way.

The 4-song EP includes two original tracks – “My Poor Father” and “Hajimari” – but, also two reinterpretations of tracks from Larsen’s last album Resolute – “Chicago Song” and “Going Back To Bowenville.” Natsuki adds a swagger and energy to Stu’s observations on life from his travels.

“Everywhere I go, I tell people about Natsuki and how amazing he is as a person and also as a musician, but it's not until people see him with their own eyes that they truly understand what this man is capable of. It's one of my favorite things in the world, to play shows with Natsuki and watch the crowd fall in love with him each night,” adds Larsen.

Die selbsternannte Shed-Rock-Band The Chats wurde für ihre ausgefallenen Frisuren und dem viralen Hit „Smoko“ bekannt. Josh Price (Gitarre), Matt Boggis (Schlagzeug) und Eamon Sandwith (Bass, Gesang) und gründeten sich 2016 an der australischen Sunshine Coast in der High School. Noch vor ihrem Abschluss veröffentlichten The Chats, 2016, ihre selbstbetitelte Debüt-EP. Das Trio zitiert nicht nur gekonnt die Sex Pistols, Ramones, Black Flag und den klassisch rabiaten Sound des Punk, sondern schafften es auch mit der eingängigen Leadsingle "Smoko", von ihrer zweiten EP "Get This In Ya", einen viralen Video-Hit zu landen. Das Low-Budget-Video zum Song wurde auf der Social-Media-Seite eines Surf-Stores veröffentlicht, wo es in kürzester Zeit Millionen von begeisterten Fans erreichte und der Band erste weltweite Bekanntheit verschaffte. Mittlerweile begleiteten The Chats bereits die Australischen Punk-Legenden Cosmic Psychos und Queens Of The Stone Age auf deren Australien-Tour

Ein Livealbum im Stile von Pink Floyds „Live At Pompeii“ zu machen – ganz ohne Publikum, dafür mit den Vorteilen der Moderne, das schwebte dem Powertrio „Mother’s Cake“ für ihr zweites Livealbum vor. Die Idee für die Location war wagemutig und logisch zugleich: Der Bergisel, die legendäre Skisprungschanze im Herzen ihrer Tiroler Heimat. Mitte Jänner, bei minus zehn Grad Celsius musizieren Yves Krismer, Benedikt Trenkwalder und Jan Haußels wie in Trance ein 45-Minuten-Set herunter. Unterstützt von Drohnenkameras, beeindruckenden Visuals, grafischen Projektionen und einer einzigartigen Naturatmosphäre aus dem Herzen der österreichischen Bergwelt.
„Live At Bergisel“ ist nach drei Studioalben, weltweiten Touren und einer Amadeus-Nominierung die bisherige Krönung im Bandkosmos. Es zeigt Mother’s Cake mit Freude am Tun in ihrem natürlichen Habitat – der Bühne. Dort, wo die einzigartige Karriere der rockenden Stilverweigerer vor knapp zehn Jahren in Fahrt kam. Dort, wo noch so viel zu spielen und zu erreichen ist. Abseits vom Glitzer und dem Glamour einer sich selbst feiernden Industrie feiern Mother’s Cake auf dem schneebedeckten Bergisel lieber die Kraft der Musik und ihre unumkehrbare Passion für die mysteriöse Welt der Klänge. „Live At Bergisel“ fasst die Essenz der Band kompakt und aussagekräftig zusammen.
Fröwein Robert

Nach Car Seat Headrest, Lucy Dacus und Julien Baker serviert euch Matador Records auch euren nächsten Lieblings-Indie-Act aus USA: Snail Mail!Lindsey Jordan steht kurz vor dem ganz großen Durchbruch und das obwohl sie gerade erst ihren Highschool-Abschluss gemacht hat. Ihre Stimme zieht auf ihrem Debütalbum „Lush“ (Veröffentlichung am 8. Juni 2018) in den Bann, steigt und fällt und trägt durch jeden weiteren Gehörgang! “Is there any better feeling than coming clean?” singt die 18-jährige Gitarristin und Songwriterin in ihrer gerade veröffentlichten Debüt-Single „Pristine“. Man kann nicht anders, als ihr zuzustimmen. Und kommtnicht wieder los von ihr und ihrer Musik, während diese Frage immer wieder in anderen Zeilen in ihrem 10-Song starken Gitarren-Pop-Album nachhallt. Ihr direktes und einnehmendes Songwriting führt dabei durch das Album, sowie durch das Chaos des Erwachsenwerdens. Sich immer wechselnde Trends, peinliche Haus-Partys, die ersten Beziehungen, die ersten schmerzhaften Trennungen – egal welchen Aspekt von Coming-Of-Age, Jordan vermag es eine besondere Spannung zu schaffen und immer unter die Haut zu gehen. So fühlt sich „Lush“ zeitweise wie eine emotionale Achterbahnfahrt an. Aufgewachsen in einem Vorort von Baltimore, fing Jordan schon als fünfjährige mit dem Gitarre spielen an, um einige Jahre später ihre ersten Songs als Snail Mail zu schreiben. Mit 16 trat sie regelmäßig in Baltimore auf, Freundschaften entstanden in der lokalen Szene, was zur Bandgründung führte. Es folgte der Release ihrer Debüt-EP„Habit“ auf dem ortsansässigen Punk Label Sister Polygon Records.Seitdem ist einige Zeit vergangen, neben dem Highschool-Abschluss tourte Snail Mail mit Girlpool und Waxahatchee, während ihre eigenen Headline-Shows immer öfters ausverkauft waren. Und sie nahm sich ihre Zeit um ihr Songwriting zu überdenken, was jederzeit in „Lush“ herauszuhören ist. „Heat Wave“ liefert einen der niederschlagendsten Momente des Albums, handelt er doch vom Ende einer Beziehung in mitten des Sommers. “I broke it off, called out of my shift, and just cried in my bathtub and wrote this song,“ erinnert sich Jordan. “I was just so desperate to just get the way I was feeling out onto paper so that I could just have it and be done with it. It was almost kind of painful. It was like puking onto paper, and crying, ‘This girl hurt my feelings!’ Towards the end of writing the record, I became better at dealing with my emotions.”Es passt, dass Jordan die Songs zumeist mitten in der Nacht schrieb, in einer Zeit, in der sie obsessiv Eileen Myles las und hauptsächlich Slowcoreund Folk Songwriters hörte. Egal ob nach einem langen Tag, auf einer nächtlichen Autofahrt oder zum Ende einer Party – die Songs bieten genugTiefe, um sich darin zu verlieren.

Started in 2008 as the creative project of Craig Dyer, The Underground Youth's blend of dark cinematic soundscapes and raw post-punk music has developed a loyal fan base that continues to grow worldwide. Since 2012 the band have been constantly touring throughout Europe and the rest of the world, seeing them consistently sell out shows and receive widespread praise for their festival performances.Through independent record label Fuzz Club Records, TUY have released 8 LP's, 3 EP’s, a Live Session and a selection of 7” singles. Receiving both a cult following and critical acclaim all of their original releases have since sold out and been re-mastered, re-pressed and re-released on different formats. Having relocated from Manchester to Berlin before the release of their 8th LP ‘What Kind Of Dystopian Hellhole Is This?’ TUY are currently working on their 9th album. The live band currently consists of Craig Dyer (Vocals, Guitar) Olya Dyer (Drums) Max James (Bass) and Leonard Kaage (Guitar). “Combining walls of noise, raw energy and catchy melodies, TUY create a captivating live experience that is unlike any other.”

Mit einer zeitgemäßen Version des ursprünglich aus dem Punk der frühen 90er stammenden DIY-Gedankens haben sich Rainbow Kitten Surprise innerhalb weniger Jahre und ohne jede professionelle Hilfe seitens der Musikindustrie in den USA eine landesweite Fanbase erspielt. Ihre Songs wurden auf digitalen Musikplattformen bislang rund 80 Millionen Mal angehört, auf ihrer ersten Headline-Tournee quer durch die Staaten spielten sie 45 ausverkaufte Konzerte. Nach vier Jahren und zwei Alben, mit deren Hilfe sie sich aus dem Untergrund Gehör verschafften, erschien nun am 6. April mit ›How To: Friend, Love, Freefall‹ ihr drittes Album, das erstmals in Kooperation mit einer großen Plattenfirma vertrieben wird. Derzeit spricht man in den USA davon, dass Rainbow Kitten Surprise das Zeug dazu haben, die neuen Mumford & Sons zu werden, auch deshalb, weil ihre Live-Shows geradezu als Erweckungserlebnis des Indie-Folk-Rock gefeiert werden. Einen ersten Eindruck davon kann man sich hierzulande im November machen, wenn das Quintett für zwei Konzerte in Hamburg und Berlin zu uns kommt.

DERV GORDON (Formerly Of THE EQUALS) feat. SO WHAT

In den 1960er Jahren von dem jamaikanischen Frontmann Derv Gordon und dem Gitarristen Eddy Grant gegründet, waren THE EQUALS die erste multiethnische Gruppe, die in England Anerkennung fand. Die Band hat mit ihrer einzigartigen Kombination aus Pop, Soul, Reggae und R & B großen Erfolg erzielt. Mit Songs wie "Baby Come Back", "Police On My Back" (später von The Clash) und "I Get So Excited" erzielten sie Hits im In- und Ausland. Genau 50 Jahre nach der Veröffentlichung ihres erfolgreichen Albums mit dem gleichen Titel wie ihr größter Hit "Baby Come Back" kehrt Frontmann DERV GORDON für einen Abend mit schwingenden Northern Soul Klassikern nach Hamburg zurück.

HEAD (USA)

Head was formed in 1990 in Seattle, WA. They are a power-pop band with an early Ramones influence. They release their records on their own Evil Clown Records label. They started off as a trio consisting of Tulu on drums, Ree Ree on bass and Touch on Guitar; adding Giggles on second guitar later, releasing 2 LP's and a few 7"s as a foursome. In 1998 Giggles quit the band and Head released their latest LP as a trio.

THE SCANERS (F)

Killer punk 2077 from Lyon, France. Explosive cocktail between garage punk and synth punk made for U.F.O. pilots and weird aliens. Go for it if you like The Ramones, The Spits, The Dickies, The Briefs...
First 7'' vinyl released in october 2017 on No Front Teeth Records. First LP coming out on february 2018 on Dirty Water Records and Dirty Water.

SLANDER TONGUE (BERLIN)

SLANDER TONGUE ist eine Berliner Rock & Roll-Band. Vier Jungs, die die letzten Jahre in verschiedenen Bands (BIKES, SICK HORSE, King Khan & THE SHRINES) und Bars verbracht haben. Es ist schön, eine Berliner Band im Jahr 2018 zu hören, die ihren Sound nicht hinter einer Reihe von Pedalen versteckt. Gitarrensoli, die zwischen den Songs keine Piss-Pause zulassen, alles unterstützt von einem soliden Rhythmus. Klingt wie Johnny Thunders auf einer Fahrt mit Fred "Sonic" Smith auf dem Quaalude Highway, während Ian Hunter (Mott) und Chris Bailey (Saints) auf dem Rücksitz zu einem alten Goat's Head Soup Tape singen.

KÜKEN (HH)

Hamburg`s tightest and greatest band! After an amazing debut LP and 7'' on Bachelor Records, they just released a killer new record on Drunken Sailor Records. Featuring Chris and Phillip, the twins from The Kidnappers, KÜKEN drop the powerpop sound from that band, strip everything back and create a total wall of sound. It�s dark, paranoid, tight as hell. And not one of the songs tops the 2 minute mark, no messing around, every song just hits you. If you like your punk, nasty, driven and bleak, this is for you.

Uptempo-77er trifft auf ranzeligen KBD-Punkrock - die Drums hämmern derbe, Gitarre und Bass liefern sich ein Duell auf Leben und Tod und dazu bekommen wir mit dem Mikro ordentlich eins übergebraten.. Buzzcocks treffen auf Pagans und The Kids - Killer!

SO WHAT (USA)

They call their sound "Hard 'gum", as in hard bubblegum - the kind the cuts the roof of your mouth. Oakland group playing Junkshop Glam/Bubblegum/Proto-punk insanity. They are the 4-headed bastard child of The Equals, Jook, and pre-disco Giorgio Moroder.

SO WHAT's debut LP is filled with stompers, hand clappers, and all the riffs that matter. Co-released by Just Add Water Records (USA) and Surfin' Ki (Italy). From the GLAMTASTIC pounding drums, Moogs, and big fuzzy riffs of "Where We Going" and "Why Can't I See You Tonight", to the EQUALS-esque "Don't Come Back" and "What You Said", this album is chock-full of HITS!

Vor und während den Bands: Musikvideo Galeere mit VJ WASTED

AFTERSHOWPARTY mit DJ OIHANE FOLLONES & MARC-O-MATIC

Der Sänger und Gitarrist Noah Kahan benötigte exakt ein halbes Dutzend offiziell veröffentlichter Songs, um zu einem weltweiten Gesprächsthema innerhalb der Folk-Szene zu werden. Seine gefühlvolle Stimme, gepaart mit ausgezeichnetem Songwriting sowie einer sehr eigenen Produktion der Stücke genügten dem 21-Jährigen aus einer kleinen Stadt in Vermont, um nachhaltig auf sich aufmerksam zu machen. Nach Tourneen an der Seite von Künstlern wie Ben Folds, Milky Chance, Anderson East und The Strumbellas sowie nach der Veröffentlichung seiner Debüt-EP ›Hurt Somebody‹ im Januar dieses Jahres gilt Noah Kahan als eine neue bedeutende Stimme des US-Folk, die in diesem Jahr mit Macht und Nachdruck die ganze Welt für sich einnehmen wird.
Im Mai spielte Noah Kahan zwei umjubelte deutsche Headline-Shows, zwischen dem 9. und 11. November folgt nun der Live-Nachschlag mit drei Konzerten in Berlin, Köln und Hamburg.

Es ist so weit: Rolling Blackouts Coastal Fever veröffentlichen Mitte Juni ihr Debütalbum „Hope Downs“. Nach den ersten beiden EPs „Talk Tight“ und „French Press“ wurde es lange und ungeduldig erwartet. Benannt hat es die australische Band aus Melbourne nach einer riesigen Tagebau-Mine in der australischen Wüste, aus der Eisenerz gefördert wird. Tatsächlich beschreibt es aber auch den inhaltlichen Schwerpunkt der Platte. Über ein Jahr lang hat die Band in ihrem Proberaum am Album gearbeitet. Währenddessen sickerte so viel von außen in den Songwriting-Prozess ein, dass es sich irgendwann nicht mehr verleugnen ließ. Die Welt sei in dieser Zeit so viel verrückter geworden, so viele Ansichten und Menschen seien aus den Fugen geraten, sagte Gitarrist und Sänger Tom Russo über ihre gemeinsame Arbeit, „darum haben wir unsere Songs geschrieben wie eine Sammlung von Postkarten, in denen wir aus der Sicht einfacher Charaktere versuchen, die großen Dinge zu erklären“. Das hört sich schwerer an, als es am Ende wirkt: Das Schreiber-Trio Russo, Fran Keaney und Joe White, bringen es auf entspannt-australische Art auf den Punkt - und musikalisch kommt das sowieso ziemlich easy daher. Der coole Indie Rock, durchaus ein wenig vom Surf eines Dick Dale beeinflusst und mit einem poppigen Charme versehen, geht direkt in die Beine und sitzt auf derselben luftigen Wolke, auf der auch schon andere Aussie-Künstler geschwebt sein müssen: Der Sound von Rolling Blackouts Coastal Fever ist geprägt von der Unnachgiebigkeit von Radio Birdman, der Pop-Alphabetisierung der Go-Betweens und der ungestümen Energie der Easybeats, geteilt durch den Glauben von Courtney Barnett, dass Gitarren nicht nur entscheidend für die Botschaft sind, sondern auch sehr gut die Botschaft sein können. Lockere Hooks, catchy Gitarre, feine Melodien und intelligente Lyrics, die die witzige Weisheit der Australier wieder einmal unter Beweis stellen, kennzeichnen die Klangwelt. Im August spielen die Australier in München eine exklusive Show, jetzt haben sie bestätigt, dass sie im November für zwei weitere Shows erneut nach Deutschland kommen werden.

Nach ausverkauften Shows in Köln und Berlin im Mai 2018 kommt die 4-köpfige Montrealer Postpunk-Band Ought um den manischen Frontmann Tim Darcy im November nach Deutschland zurück.

Auf Room Inside The World — dem ersten Album des Quartetts für Merge Records, erschienen im Februar 2018 — meint erwachsen werden nicht so sehr reifer zu werden, sondern eher mehr Aufmerksamkeit zu entwickeln, sorgfältig zuzuhören und sich die Zeit zu nehmen an einem Ort so lange zu verweilen, bis man begreift wo man wirklich ist. Aufgenommen mit dem Produzenten Nicolas Vernhes (Deerhunter, Animal Collective, Silver Jews) im Rare Book Room in Brooklyn, erkundet Room Inside the World Themen, die die Montrealer Band um Frontmann Tim Darcy schon immer beschäftigt haben — Identität, Zusammenhänge, Überleben in einer prekären Welt — aber mit Hilfe einer wesentlich mutigeren und mehr nuancierten Bandbreite an Sounds. Vibraphon, einwandfrei intonierte Synthesizer, Drum Machines und ein 70 köpfiger Chor unterfüttern die präzisen Post-Punk Breakdowns. Diese schmückten auch schon die vorherigen zwei Alben von Ought, verursachen diese emotionale Komplexität und verleihen ihrem charakteristisch straffen Sound noch mehr Tiefe.

The Twilight Sad sind eine Ende 2003 gegründete schottische Band aus Kilsyth, die schleppenden Post- Rock mit melancholischen Shoegaze- und Folk-Elementen vereint. Während ihr Debütalbum noch stark von Post-Punk beeinflusst war, zeigten sich zuletzt auch starke Anleihen von Krautrock, Industrial und anderen exotischen Spielarten des Rock.
Gegründet wurden The Twilight Sad von James Alexander Graham (Gesang), Andy MacFarlane (Gitarre), Craig Orzel (Bass) und Mark Devine (Schlagzeug). Im September 2005 schickten sie ein 4-Song Demo an Fat Cat Records und bekamen prompt einen Plattenvertrag, woraufhin bald ihre erste Veröffentlichung “The Twilight Sad” folgte. Inzwischen erschienen mit “Fourteen Autumns & Fifteen Winters” (2007), “Forget the Night Ahead” (2009) und “No One Can Ever Know”, “Nobody wants to be here and nobody wants to leave” (2014) vier weitere Longplayer.
Mit den Erlösen der Compilation “Killed My Parents And Hit The Road”, auf der sie Liveaufnahmen, Demos und Coverversionen von The Smiths, Joy Division und den Yeah Yeah Yeahs zusammenstellten, wurde eine Tour mit Mogwai finanziert. Auf dieser konnten sie sich schnell den Ruf einer außergewöhnlichen und fesselnden Live-Band erspielen.
Nun steht ihr sechstes Studioalbum in den Startlöchern. Das Release ist für Januar 2019 geplant. Mentor und Begleiter für die neue LP war niemand geringerer als Robert Smith von The Cure, der Frontmann der Band, die sie zuletzt bei mehreren Tourdates als Support unterstützen durften. Man darf gespannt sein, was diese inspirierende Zusammenarbeit ans Tageslicht befördert. Am 16. November 2018 skönnen wir uns im Molotow live von The Twilight Sad mit neuen Songs und neuer Besetzung ein weiteres mal live überzeugen lassen.

Die schottische Rockband We Were Promised Jetpacks unterzeichnen für das kommende Album bei Big Scary Monsters in Europa. Die Band wird im November in Europa auf Tour sein.
Die Band startete 2009 als eine Gruppe 20-Jähriger, welche mit ihrem Debut Album „These Four Walls“ den Durchbruch schafften. 2011 veröffentlichte die Band „In the Pit of the Stomach“ und 2014 das Album „Unravelling“. Alle Bandmitglieder sind vor kurzem 30 geworden und fühlen sich wie andere Menschen, als die sie mit 20 waren und ihr erstes Album veröffentlichten.
Nachdem We Were Promised Jetpacks ein Jahrzehnt nahezu ununterbrochen an Alben arbeiteten oder auf Tour waren, kehrte die Band in ihre Heimat Schottland zurück um wieder neue Energie zu tanken. Außerdem kehrten sie zurück zu der originalen Besetzung aus vier Bandmitgliedern und erlebten einige Veränderungen im Hintergrund des Bandgeschehens. Jetzt ist die Band mit einem neuen Teaservideo zurück und bereit erneut auf zu Tour zu gehen. Am 23. November kommen We Were Promised Jetpacks nach Hamburg ins Molotow.

Präsentiert von Jever Live

“It‘s sorta post-Riot grrrl, post-No Wave, experimental music and completely engaging from beginning to end.”
Thurston Moore (Sonic Youth), NME
Rome Is Not A Town aus Göteborg (SE) veröffentlichten 2015 ihre Debüt-Single „Stupid“ auf 7“-Vinyl. Es folgten mehrere Singles und die EP „Careful Like You Cared“ und mit ihrem krachigen Indie-Rock spielten sie sich sofort in die Herzen all jener mit einer Vorliebe zu rohen Gitarren und wütend hämmernden Songs. „It‘s A Dare“ ist das Debütalbum der Band und erschien am 29. September 2017 auf Startracks. Es wurde von der Band in Zusammenarbeit mit Pelle Gunnefeldt, Per Stalberg und Olle Björk produziert.

Wenn Rat Boy von seinem Großbritannien berichtet, dann wird selbst die Fahrt im Öffentlichen Personennahverkehr zur Schlacht gegen die Möchtegern-Vorstadt-Gangster, die einen abziehen wollen, und all die anderen Verlierer des britischen Sozialsystems. Der junge Mann aus Essex erzählt mit seinem unnachahmlichen Zwischending von Rap und Gesang von seinem Leben in der Hood und von seinen beschissenen kleinen Jobs, aus denen er regelmäßig gefeuert wurde – was immer noch besser sei, als sie ein Leben lang machen zu müssen. Daheim setzte er seine Erfahrungen in Texte um und arbeitete sich am Rechner seiner Mutter in die Musiksoftware Logic ein, um den Strom von Ideen, der ihm durchs Hirn rauschte, irgendwie zu kanalisieren. Heraus kam seine erste Veröffentlichung „The Mixtape“. 2016, also knapp zwei Jahre später, hielt er den „NME Best New Artist“-Award in der Hand, und im vergangenen Jahr benutzte Kendrick Lamar eine seiner Textzeilen als Cut in seinem Song „Lust“ – eines der großen Vorbilder von Rat Boy neben The Clash, The Streets, Blur und Ian Dury. Mit „Scum“ erschien eine schillernde Debütplatte, auf der Rat Boy auf seine gallenbittere Weise erkundet, wie es ist, desillusioniert im suburbanen Essex auszuwachsen – Erfahrungen aus seinem Leben und dem seiner Freunde und Themen, mit denen sich jeder identifizieren kann, vorgetragen mit ungeheurem Wortwitz. Musikalisch springt das Album munter zwischen Hip-Hop, Punk, Indie-Hymnen, Gospel, Britpop, Big Beat und Bossa-Nova hin und her – eine Art Beastie Boys für die Generation Brexit. Und es scheint, als ströme es immer noch durchs Hirn des 22-Jährigen, als könne er einfach nicht aufhören, Musik zu machen: Anfang des Jahres veröffentlichte Rat Boy mit seiner Band die EP „Civil Disorder“. Jetzt hat Rat Boy bestätigt, dass er im Herbst im Rahmen seiner „Dumb & Confused“-Tour nach Deutschland kommt.

Präsentiert von Bedroomdisco & MusikBlog
Verlegt aus dem Häkken.

«69591, LAXÅ» vervollständigt nicht nur die Adresse von «Mossbo» sondern ist auch die Fortsetzung der «Mossbo-EP». Der Nebel lichtet sich - Wald, ein Boot, eine Insel. Dunkelheit, Sonnenschein. Ankunft. Das Debut-Album von THE GARDENER & THE TREE überzeugt mit Facettenreichtum, gibt Songs einer langen Bandgeschichte wieder und zeigt Bilder der Zukunft. THE GARDENER & THE TREE veröffentlichen mit «69591, LAXÅ» den ersten Longplay ihrer Karriere und beweisen nicht nur eine einprägsame Linie sondern auch Mut zur Authentizität, lassen in ihre Vergangenheit einblicken.

«Mossbo», 2014. Mossbo ist ein Ort in Schweden, der für die Band, trotz seiner eigentlichen Bedeutungslosigkeit, ein Umbruch war. Es war der Ort, es war die Zeit, es waren die ganz wenigen Menschen da, die den Sturm legen konnten. Obwohl THE GARDENER & THE TREE eigentlich geplant hatten, mit neuen Songs aus Schweden heimzukehren, haben sie im hohen Norden viel mehr gefunden. Nicht erwartete Weisheit und Ruhe, um einmal in sich zu kehren, haben den neuen Songs, die schlussendlich erst in der Schweiz geschrieben worden sind, Veränderung verliehen. Veränderung, die nötig war, um komplett sich selbst zu sein. Nicht zuletzt deswegen präsentieren sich die neuen Songs mit so viel Grösse und Harmonie.

«Mama’s Guitar». Es war einmal Mama’s Guitar, welche der Stimme des Sängers Manuel Felder im fernen Australien nicht nur gehen, sondern fliegen lehrte. Sie war es, die liebevoll den Grundstein für die kommende Geschichte, für ein der Musik gewidmetes Leben, legte. Im Laufe der Jahre fand sich mit Patrik Muggli, Patrick Fet und Daniel Fet eine Band zusammen, die nie lernte, Noten zu lesen, sie lernte die Musik zu spüren und mit ihr zu experimentieren, wie es nur wenige zu tun vermögen. Diese Gabe zeichnet die Songs bis heute aus. 2015 ergänzte Philippe Jüttner die Band mit viel Geschick am Bass.

Leute, die nächste Runde geht auf's Haus!
Ja, richtig auf dem Deckel gelesen: Der Ort, an dem die Hamburger Rock & Roll-Band SWUTSCHER spielt, ist die Spelunke. Am schönsten Platz im All, dem Tresen. Aber auch in deinem Wohnzimmer, in der Scheune, im Stadion oder im Open-Space-Office: SWUTSCHER machen jeden Ort im Handumdrehen zur feierwütigen Kaschemme.
Aber SWUTSCHER sind auch Road-Movie, sind Landpartie und Bandkommune. Von A nach B zu C. Sie sind zärtliche Poeten, Beatniks und Seelenverwandte. Sechs an der Zahl. Feierwütige Spinner, die unsere Zeit so dringend braucht!

Das verflixte dritte Album gerät für viele Bands zur Zerreißprobe. Auf dem Debüt genießt man noch herrlich naive Narrenfreiheit, auf dem Zweitwerk muss man schon den Balance-Akt zwischen Weiterentwicklung und Erwartungshaltung meistern – auf Album Nummer 3 aber muss man sich endgültig entscheiden, wie man seine Kunst betreiben möchte:

Geht man den Weg des Kompromisses und nutzt die vielen kleinen manipulatorischen Kniffe, die man in zwei Alben-Zyklen erlernt hat, um die Chancen des wirtschaftlichen Erfolgs seiner Band zu verbessern, oder besinnt man sich zurück auf die Musik an sich, und spielt die Songs und Töne so, wie sie aus einem herausfließen, wie sie erdacht waren.

Sönke Torpus, Jenny Apelmo, Melf Petersen, Ove Thomsen und Felix Roll haben sich sowas für den kompromislosen Weg entschieden und kommen mit ihrem dritten gemeinsamen Album ganz dicht an den Kern ihrer Band, klingen so sehr nach einer gemeinsamen Vision wie nie zuvor.

Produziert hat die Band das Album diesmal selbst. Aufgenommen wurde wieder in dem alten Schulgebäude in Nordfriesland, wo auch schon der Vorgänger “The Dawn Chorus” entstand. Diesmal wurden die Instrumente – mit kleinen Ausnahmen – live eingespielt. Für den abschließenden Mix konnte die Band wieder ihren langjährigen Wegbegleiter Simon Frontzek gewinnen. Das Resultat ist ein warmer, kratziger Sound, der das Album jetzt schon wie einen Klassiker klingen lässt und nicht wie eine Platte die in 2017 aufgenommen wurde. Es rauscht und knistert, dass es eine wahre Freude ist und man es kaum erwarten kann, diese Songs auf Vinyl zu hören.

Insgesamt mehr Platz eingeräumt wurde in den neuen Songs der E-Gitarre von Melf Petersen, der in Songs wie “Antonia” oder “4×7” die Führung der Art Directors übernimmt. Hier und da atmet das Album sogar den Spirit von 60s Rock’n’Roll und den Beach Boys, eine neue Komponente im Sound der Band, die sich perfekt einpasst. Auch zu erwähnen ist die beeindruckende gesangliche Leistung von Frontmann Sönke Torpus: nicht nur in den beiden Songs, deren Texte auf Haustier-Metaphern basieren, “He’s A Cat” und “I’m A Dog”, beweist er eine eindrucksvolle Stimmvielfalt und Sicherheit. Über die Länge der gesamten Platte ist es ein Genuß, Torpus’ Melodien zuzuhören, vorallem dann wenn er vom Chor seiner gesamten Band unterstützt wird. In den Vordergrund spielt sich jedoch kein Mitglied der Art Directors, das hier ist ein Produkt der Gemeinschaft und gebündelter Kreativität.

Torpus & The Art Directors beweisen mit Album #3, dass sie laufen und laufen und laufen wie ein gutgepflegter Auto-Motor. Keine Anzeichen von Abnutzung, alles funktioniert noch so gut wie am ersten Tag. Dieses Album ist wie gemacht für die Live-Darbietung, ist sie doch eine fast perfekte Abbildung über die Großartigkeit der Live-Fähigkeiten dieser Band: Wie gut, dass die nächste Tour schon wieder vor der Tür steht.

Der erste Schritt einer Reise ist immer der schwerste, doch die Intergalactic Lovers lassen ihn mühelos erscheinen. Die vierköpfige Formation aus Belgien feierte mit ihren ersten zwei Alben sowohl zu Hause als auch im Ausland enorme Erfolge. Die packende Energie ihrer Live-Shows verschmilzt mit pointiertem Songwriting, welches oftmals intime und persönliche Themen erkundet.

Ihr drittes Album geht jedoch noch einen Schritt darüber hinaus. Die erste Single ´Between The Lines` erscheint am 2. Juni – ein erstes Anzeichen, wohin der neue Weg führen könnte. Alles an dem Song scheint präzise und fokussiert. Die Arbeit einer Gruppe in völliger Kontrolle ihrer kreativen Prozesse. Die messerscharfen Post-Punk Gitarrenriffs erinnern an die raffinierte Melancholie von Bands wie Interpol, Editors oder sogar The Cure. Die pochende Bassline hingegen ist New Order vom feinsten.

Lara Chedraouis Gesang setzt dem Song die Krone auf. Mit einer Mischung aus der unnachgiebigen Sehnsucht einer PJ Harvey und dem unverfälschten Stil Karen Os, bewahrt die Intergalactic Lovers Frontfrau dennoch stets ihre Unabhängigkeit und ihren eigenen Ansatz.

Es ist das Zusammenspiel all dieser Elemente, welches die Intergalactic Lovers auf die nächste Ebene befördert. Mit ´Between The Lines` gelingt es der Band die unglaubliche Atmosphäre ihrer Liveshows in einem Song festzuhalten und erlebbar zu machen. Um noch einen draufzusetzen drehte die Band ein spektakuläres Video, welches dem einflussreichen belgischen Maler René Magritte die Hochachtung erweist. Die Intergalactic Lovers machen hiermit den perfekten ersten Schritt zur Fortführung ihrer großen Reise.

Der Band aus Toronto ist es sicherlich zu verdanken, dass viele Indie-Kids ihre Berührungsängste mit hymnischen, aggressiven Hardcore überwunden haben. Schuld daran
war zum einen das Meisterwerk „David Comes To Life“ aus dem Jahr 2011, zu dessen Zeitpunkt es die Band um Sänger Damian Abraham und Gitarrist Mike Haliechuk schon gut eine Dekade gab. Dieses hochpolitische Themenalbum, was sich mit Thatchers England befasste, traf einen Nerv und überzeugte mit hochmelodischen
Wutausbrüchen wie „Turn The Season“, „The Other Shoe“ und natürlich „Queen Of Hearts“,
dessen Musikvideo jede und jeder gesehen haben sollte. Für den Herbst melden sich Fucked Up mit ihrem neuen Album „Dose Your Dreams“ zurück. 18 Songs wird es umfassen, mit einer Spielzeit von gut 80 Minuten –da geht es schon mal klar, dass ihr Label Merge Records etwas großspurig eine „sprawling odyssey“ verspricht. Die Vorabsingle „Raise Your Voice
Joyce“ kann man schon jetzt hören. Aber die Studiomusik von Fucked Up ist trotz
ihrer Qualität nur die Hälfte des Geheimrezepts.
Ihre Live-Energie trägt eine große Mitschuld an ihrer Beliebtheit. Wer einmal gesehen hat, wie Josh Zucker, Ben Cook und Mike Haliechuk ihre drei Gitarren schrubben, wie Sandy Miranda ihren Bass schwingt und wie Jonah Falco die Drums bearbeitet, der weiß, was gemeint ist.
Wobei es schwierig ist, nicht die ganze Zeit Damian Abraham anzustarren: Wenn der
abgeht, oberkörperfrei die komplette Location erobert oder sich selbst in den Moshpit
wirft, ist Widerstand zwecklos. Große Worte, klar, aber hey: Die wird jeder
unterschreiben, der Fucked Up im Januar bei ihren Deutschlandshows besuchen
kommt.

Since their inception in 2008, the singular, Berlin-based three piece Esben and the Witch have methodically strode their own path; a route which has enabled them to be inventively collaborative, stealthily prolific and fiercely independent. It is a path that has taken them via Matador Records, recording with Steve Albini, inking a deal with European metal label Season Of Mist, and playing headline shows around the world. Their most recent output is a live album of their primal and expansive goth-punk set at Roadburn Festival 2017, released on their own Nostromo Records imprint, with studio album #5 rumoured for release in autumn 2018 via Season Of Mist. The extremities of beauty, noise and power have been tested over the past decade - come and see Esben and the Witch's voluminous manifestation of our times.

Präsentiert von Jever Live

New York art-punks BODEGA have announced a brand new 2019 tour - including their largest headline show to date at London’s Scala on Wednesday 20th February.

‘Name Escape’ is the latest single from their debut album Endless Scroll, which came out in July. Metronomic, minimal and full of BODEGA’s trademark lyrical witticisms, ‘Name Escape’ follows previous BBC Radio 6 Music playlisted singles ‘How Did This Happen ?!’ and ‘Jack In Titanic’.

Endless Scroll was met with rave reviews from the likes of Observer, Guardian, Independent, Financial Times, The Times, DIY, Uncut and more. Recalling the rich history of New York’s musical heritage whilst keeping its sight on the future, Endless Scroll revitalizes the rock and roll vocabulary under the influence of post punk, contemporary pop, hip-hop, kraut rock, and folk-derived narrative songwriting. Endless Scroll was recorded and produced by Austin Brown (Parquet Courts) on the same Tascam 388 tape machine used for their LP Light Up Gold.

Hippo Campus ist eine Band aus St. Paul, Minnesota, die sich 2013 noch vor ihrem High-School Abschluss gegründet hat. Ihre Anfänge fand die Band bei einer Reihe von Auftritten bei SXSW. Kurz darauf folgte ihr Fernsehdebüt auf Conan. Mittlerweile sind sie an die Spitze ihres Genres gerückt, auf dem Rücken des unerbittlichen Tourens und mit der Stärke ihres Debütalbums „Landmark“.
Im Oktober 2017 veröffentlichten sie ihre selbstproduzierte EP „warm glow“, die als Ode an Loyalität und Selbsterhaltung entstand. „Wir hatten Tunes, die eigentlich nicht zu „Landmark“ gepasst haben, die aber ein Eigenleben entwickelt haben. Das ganze Projekt konnte nur über die Unterstützung der Gemeinschaft entstehen.“
Die zweite Veröffentlichung der Band "Bambi", erscheint am 28. September 2018.

Windhand werden erst 2009 gegründet, zählen aber mit ihren bisher erschienenen drei Alben zu den hoffnungsvollsten Newcomern der Doom Metal-Szene. Schon 2010 schlagen sie hohe Wellen mit einem Proberaum-Demo, auf dem sich gerade einmal zwei Songs befinden! Vergleiche werden sofort gezogen, es fallen Namen wie Electric Wizard, The Devil’s Blood und, wie könnte es anders sein, natürlich Black Sabbath. Im März 2012 wird dann folgerichtig ihr selbstbetiteltes Debüt zu einem Underground-Hit, dessen Vinyl-Pressungen innerhalb von Monaten ausverkauft sind. Ein Jahr später unterschreiben Windhand bei Relapse Records. Man geht auf Tour, um später im April 2013 zusammen mit Cough, einer befreundeten Band aus ihrer Heimatstadt Richmond, eine Split-Single namens „Reflection Of The Negative“ herauszubringen. Die Kritiken sind duchweg positiv, das ‘Pitchfork’-Magazin nennt es Windhands „beste Musik bis dato”. Mit Selbstbewusstsein geht man an den sehnlichst erwarteten Zweitling heran, „Soma“ erscheint im September 2013. In ’Stereogum’, ‘Spin’ und ‘LA Weekly’ schafft es das Album in die Best-Of-Listen, auch die Metalpresse in Form von ’Revolver‘, ’Invisible Oranges‘, ’MetalSucks’ und ’Metal Injection‘ überschlägt sich, sogar im ’Rolling Stone’, ’NPR ’ und ’Pitchfork ’ erhält „Soma“ gute Kritiken. Danach folgen Headliner-Tourneen durch Nordamerika, Europa und Australien, u.a. mit Bands wie Sleep, High On Fire, Dead Meadow und Kvelertak. Auch auf den großen Festivals sind Windhand prominent vertreten, sie spielen das ‘Roadburn‘, ‘SXSW‘, ‘Scion Rock Fest‘, ‘Day Of The Shred‘ und ‘Maryland Deathfest‘. Im Oktober 2014 erscheint eine weitere Split-Single mit den Schweden Salem’s Pot auf Riding Easy Records. Im September 2015 dann ernten Windhand mit ihrem dritten Werk „Grief’s Infernal Flower“ die Früchte ihrer bisherigen Arbeit: Produziert wird es von Mischpult-Legende Jack Endino (Nirvana, High On Fire, Soundgarden, etc.). Besonders Frontfrau Dorthia Cottrell etabliert sich mit der Leistung auf diesem Album als einer der besten Sängerinnen des Genres. Dahinter müssen sich aber auch weder die Zwillings-Gitarren von Garrett Morris und Asechiah Bogdan mit ihren Mega-Riffs noch die kolossale Rhythmus-Sektion von Bassist Parker Chandler und Drummer Ryan Wolfe verstecken. Auch als Gitarrist Bogdan die Band 2018 verlässt, lassen sie sich nicht unterkriegen. Sie untermauern ihren Status mit ihrem vierten Album „Eternal Return“, das im Oktober 2018 erscheinen wird und ebenfalls wieder von Produzentenlegende Jack Endino in den Soundhouse Recordings Studios in Seattle aufgenommen wurde. Windhand haben sich dabei neu erfunden, fügen ihrem schweren Sound der Marke Black Sabbath und Sleep auch andere Stilistiken aus anderen Rock-Genres zu, u.a. könnte man frühe Soundgarden, aber auch Veruca Salt als Einflüsse nennen. Mit „Eternal Return“ machen Windhand den berühmten Schritt nach vorn und werden sich bald mit den ganz Großen der Szene messen können.